Introducción
Durante el primer Renacimiento italiano los maestros descubren un procedimiento para representar las tres dimensiones del espacio sobre usa superficie plana, o sea bidimensional. La nueva fórmula que será conocida de ahora en adelante como Perspectiva Renacentista o Albertiniana, cautivó las voluntades artísticas durante casi quinientos años. El Cubismo, que se desarrollará a partir de 1907, descubrirá que esa forma de representación no es la única y es tan ficticia como cualquier otra ya que considera un único punto de vista y la visión de un solo ojo. El Cubismo aporta la visión binocular y los diferentes puntos de vista reunidos en un mismo lienzo, como el sistema frontalista egipcio.
Por otra parte con la aparición de este movimiento de definen las dos tendencias estéticas fundamentales de todo el siglo XX y que ya las nombramos hablando del Expresionismo:
Los cubistas llevaron a cabo un estudio de la realidad a través del tiempo porque un objeto representado en el lienzo desde distintos puntos de vista no es más que un conjunto de momentos diversos incluidos en un mismo espacio que es la superficie del cuadro. Precisamente por esta valoración que se le da a la manera de representar, lo representado carece de importancia (es la tendencia objetiva, renovación de forma). El pintor ya no se sale al aire libre, como en el Impresionismo, para buscar temas nuevos, sino que se pinta la primera cosa que se encuentra en el taller, en esencia bodegones o naturalezas muertas. Tampoco interesa en absoluto el color por lo que las obras son monocromas a base de ocres, grises y verdes.
Tres son las etapas por las que pasó este estilo en su no muy larga vida:
Puede decirse que el movimiento se inicia con las Señoritas de Avignon (1907) de Picasso, quien mantiene relación con Braque y con quien en 1908 forma el grupo de Bateau-Lavoir, en reunión de otros pintores y poetas.
Picasso
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) significa la personalidad más vigorosa del arte contemporáneo. Tras unos años de residencia en Málaga y La Coruña, hacia 1895 estudió en la Lonja de Barcelona, en fecunda etapa de contactos con la bohemia catalana y los primeros atisbos vanguardistas que refrendaría en sus viajes a París a comienzos de siglo, donde recibió el influjo de Toulouse-Lautrec, Degas y otros.
Entre 1901 y 1904 desarrolló una pintura extraordinariamente humana y patética debido a la muerte de su amigo Casagemas que, por tener como dominantes los tonos fríos azulados, es conocida como Periodo Azul. Hay en sus cuadros una mezcla de desesperación y dignidad que evidencian conexión con planteamientos expresivos de la época, como en La Vida o Madre con niño enfermo.
Entre 1904 y 1906, con los mismos presupuestos formales pero cambiando la temática hacia temas de circo y por tanto alegres, Picasso abre su Época rosa, como ejemplifica la Familia de acróbatas, la Familia de saltimbanquis o Mujer en camisa. Picasso empezó a pintar con colores más humanos y más vivos. Usó colores diferentes y ensanchó su alcance azul. Su alcance nuevo incluyó el rosado, el anaranjado y el rojo. Pintó cuadros tranquilos de colores delicados. Las pinturas de esta época rosa son más vivas y líricas que las otras. Los personajes de las pinturas de Picasso cambiaron también. El conoció y retrató a los miembros del Circo Medrano. Las primeras pinturas de la época rosa son de artistas de circo y sus familias.
Desde 1906 se inicia su ruptura con la tradición pictórica imitativa de la realidad y es sustituida por un arte más conceptual despreciando la realidad aparente. Alrededor de 1905 Picasso descubre la escultura ibérica. Le atraen las proporciones poco ortodoxas, la falta de refinamiento, la fuerza bárbara y el primitivismo. Picasso manifiesta gran interés asimismo por el arte africano primitivo. Debido a este interés que demuestra por el arte africano, así como por el uso del color negro, esta época se ha venido denominando la "época negra" de Picasso. A partir de esta época, las caras de los personajes empiezan a parecerse máscaras africanas. La evolución de esta época puede verse en la obra Retrato de Gertrude Stein (1906). Esta escritora estadounidense fue gran amiga de Picasso. La cara es semejante a una máscara africana y contrasta con el resto del cuerpo.
La llamada Época Negra culmina con las Señoritas de Avignon, su primera obra cubista e influida por Cézanne y por el arte negro. En dicha obra aparecen las formas geométricas, como talladas a cuchillo y con diferentes puntos de vista simultáneos. Hay en dicha obra una influencia clara de las máscaras negras africanas. En la obra se niega la profundidad, todas las figuras están en un mismo plano.
La pintura de Cézanne sirvió a Picasso y Braque para tomar el testigo de su experimentación formal, por lo que la forma, el orden y la geometría se convirtieron en un nuevo fundamento de la pintura frente a la fragmentación plástica y formal iniciada con el Impresionismo: se trataba de eliminar el valor del color.
En 1909, durante su estancia en Horta d`Ebre, Picasso acometió una verdadera arquitectura del paisaje en obras como Fábrica, donde el color se reduce a lo esencial e impera la distorsión de la perspectiva, mientras que cuadros de Braque como Casas de l`Estaque muestran esa misma visión cristalográfica del paisaje.
En estas obras se definen por tanto los tres componentes decisivos para la experiencia cubista: la reducción del color, la primacía de la forma y el abandono del sistema de perspectiva monofocal. El resultado fue un nuevo lenguaje plástico en el que se recuperaban los componentes específicos de la pintura.
Ya en 1908 Vauxcelles había bautizado como Cubismo esta tendencia que relativizaba la representación desde una dimensión aperspectiva, que daría a partir de entonces obras como Mujer sentada y Retrato de Ambroise Vollard de Picasso o Violín y vasija de Braque.
Así, la pintura cubista hizo que la realidad representada se fuera distanciando cada vez más de la naturaleza identificable y alejándose de su apariencia, proceso que paralelamente iba a desembocar en la abstracción impulsada por Kandisky. No obstante, ni Picasso ni Braque quisieron abandonar el figurativismo.
En 1912 Picasso realizó su Naturaleza muerta con silla de paja, el primer ejemplo de collage, mientras que Braque ya había introducido trozos de papel con letras para potenciar el figurativismo. La experiencia del collage tendría un significado trascendental, puesto que suponía prescindir por primera vez del objeto representado e introducir el objeto presentado,
La construcción del Cubismo fue una conquista empírica en la que cada descubrimiento servía de fundamento al siguiente, por lo que los cubistas no se afanaron en crear un estilo, sino en impulsar un proceso creativo que desarrollara un nuevo lenguaje formal. Así se entienden las composiciones ovales de Braque.
Tanto Picasso como Braque abandonarían a partir de 1912 las limitaciones en el uso del color para llegar a composiciones como Los tres músicos de 1921, para cuando el propio Picasso consideraba que el Cubismo estaba agotado y que debía afrontar un cambio radical en su pintura en el que pasó a recuperar formas y modelos clásicos como en su famoso Arlequín.
La capacidad de renovación picassiana se desbordará con el estallido de la Gran Guerra, alternando las más variadas orientaciones (cubista, realista, clásica, expresionista). Más tarde se entregó a interpretaciones de un expresionismo subrreal con particular inclinación hacia lo monstruoso y lo simbólico para culminar en su espectacular Guernica (1937), obra que recogiendo el eco de los desastres de la guerra de Goya, en visión apocalíptica, pretende ser un grito desgarrador de denuncia contra la barbarie bélica. En 1937 la República le encargó un mural para el Pabellón Español en la Feria Mundial de París. Pero poco antes se supo el bombardeo de la Legión Condor sobre el mercado a rebosar de gente en la plaza de Guernica. Picasso empezó sus esbozos. Las figuras aparecen unidas entre sí en un esquema triangular que evoca el frontón de un templo griego. Allí se integran el alarido de un caballo mortalmente herido, el pánico de la mujer en la casa que arde, la agonía del guerrero y la mujer que llora con su hijo. La paleta, al temple, es muy austera y casi se ha suprimido el color: blanco, negro y matices de gris para acentuar el terror. Hoy en día se ha convertido en una obra pacifista contra los horrores de la guerra, a la vez que un símbolo para la Segunda República Española y para el vasquismo en particular.
Braque y Juan Gris
Como hemos visto, Georges Braque (1882-1963) comparte con Picasso la gloria de la creación del cubismo, presentando una evolución paralela. Hasta su muerte se mantuvo fiel al cubismo, aunque no interpretándolo dogmáticamente pero sí combinándolo con la mejor tradición cartesiana heredada de Cezanne.
El madrileño José Victoriano González, conocido artísticamente como Juan Gris (1887-1927) conectó con Picasso hacia 1910 y años después se convirtió en el representante más riguroso del cubismo, pues para él no era un procedimiento ni un método sino una estética o incluso un estado de ánimo al que parece haber incorporado un rigor y una serenidad, un ascetismo casi zurbaranesco delimitando los planos y cuidando las armonías de color, sin renunciar al claro-oscuro.
Durante el primer Renacimiento italiano los maestros descubren un procedimiento para representar las tres dimensiones del espacio sobre usa superficie plana, o sea bidimensional. La nueva fórmula que será conocida de ahora en adelante como Perspectiva Renacentista o Albertiniana, cautivó las voluntades artísticas durante casi quinientos años. El Cubismo, que se desarrollará a partir de 1907, descubrirá que esa forma de representación no es la única y es tan ficticia como cualquier otra ya que considera un único punto de vista y la visión de un solo ojo. El Cubismo aporta la visión binocular y los diferentes puntos de vista reunidos en un mismo lienzo, como el sistema frontalista egipcio.
Por otra parte con la aparición de este movimiento de definen las dos tendencias estéticas fundamentales de todo el siglo XX y que ya las nombramos hablando del Expresionismo:
- Tendencia subjetiva: en esa línea se encuadra el expresionismo, el Dadaísmo y el Surrealismo, que en nuestros días vienen a desembocar en el arte Pop y el Realismo crítico. Es la tendencia de los contenidos, de la profundidad psicológica del cuadro.
- Tendencia objetiva: la encabezan el Cubismo y el Futurismo italiano, que darán paso primero a los diferentes racionalismos y posteriormente al arte Óptico y Cinético. Es la tendencia preocupada sobre todo por la renovación estética, por la forma.
Precursores
- En 1907 se realiza una gran exposición retrospectiva de Cèzanne a la que acudirá entre otros Picasso. Cèzanne comenzó ya a reducir la Naturaleza a formas geométricas y había revelado la estructura fundamental de los objetos, adelantándose con ello al Cubismo.
- A partir de comienzos de nuestro siglo empieza a ser conocida la escultura negra y la Oceánica, y la civilización occidental empieza a ser reconocida como una más entre tantas otras. El Cubismo tomará de la estética negra sus aspectos formales, el tratamiento de la figura a través de planos angulares.
Los cubistas llevaron a cabo un estudio de la realidad a través del tiempo porque un objeto representado en el lienzo desde distintos puntos de vista no es más que un conjunto de momentos diversos incluidos en un mismo espacio que es la superficie del cuadro. Precisamente por esta valoración que se le da a la manera de representar, lo representado carece de importancia (es la tendencia objetiva, renovación de forma). El pintor ya no se sale al aire libre, como en el Impresionismo, para buscar temas nuevos, sino que se pinta la primera cosa que se encuentra en el taller, en esencia bodegones o naturalezas muertas. Tampoco interesa en absoluto el color por lo que las obras son monocromas a base de ocres, grises y verdes.
Tres son las etapas por las que pasó este estilo en su no muy larga vida:
- Cubismo analítico. Periodo comprendido entre 1908 y 1911. Sus principales cultivadores fueron Picasso y Braque, quienes para conseguir una visión global del objeto, lo descomponen en tantos planos como puntos de vista posea
- Cubismo hermético. Durante el año 1911 el afán de plasmar todos los puntos de vista posibles da lugar a una abstracción cada vez mayor, hasta que el objeto llega a ser prácticamente irreconocible en medio de una maraña de líneas. Se acentúa la tendencia. a la morocromía. Se abandona el verde y se emplean sólo grises y ocres.
- Cubismo sintético. El último periodo cubista abarca desde 1912 hasta 1914. La confusión habla llegado tan lejos durante el hermetismo que ahora se imponía hacer más legible el objeto. Para ello se realiza una selección de los puntos de vista más importantes del mismo, al tiempo que se introducen fragmentos de la realidad en el cuadro, como trozos de periódico, los famosos Collages que serán después utilizados en el Dadaismo y en el Surrealismo. Aparece de nuevo el color.
- Aun tomando algunos elementos del Fauvismo (colores lisos con ausencia de contrastes luminosos) su arte es una revolución contra el instinto sin control, pues pretenden representar no la apariencia de las cosas, sino lo que consideran su esencia.
- Hay un rechazo de la perspectiva común por artificiosa y anacrónica, superponiendo los planos y enfocando los objetos en todos sus aspectos, incluso en los invisibles.
- Disociación del color y la forma para yuxtaponerlos, haciendo necesaria una selección a modo de síntesis. Si el Cubismo rechaza una visión real del objeto también rechaza su colorido real.
- Hay un culto por el objeto fijándolo en su permanencia. Interesa la forma de representarlo pero no lo que ese objeto significa en sí mismo.
- Hay también un rechazo del movimiento como desnaturalizador. El movimiento no debe hallarse en el objeto sino en el espectador que lo ve desde diferentes puntos de vista a su alrededor.
- Hay una absoluta primacía entre línea y forma (lo inteligible para el Cubismo), sobre el color y la luz (sólo lo sensorial para este movimiento conceptual e iconoclasta cromático).
- Hay un retorno a la composición con factura impersonal, donde la mano del pintor no define dicha composición. Se intenta la composición despersonalizada y para ello se llega a recurrir al Collage
Puede decirse que el movimiento se inicia con las Señoritas de Avignon (1907) de Picasso, quien mantiene relación con Braque y con quien en 1908 forma el grupo de Bateau-Lavoir, en reunión de otros pintores y poetas.
Picasso
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) significa la personalidad más vigorosa del arte contemporáneo. Tras unos años de residencia en Málaga y La Coruña, hacia 1895 estudió en la Lonja de Barcelona, en fecunda etapa de contactos con la bohemia catalana y los primeros atisbos vanguardistas que refrendaría en sus viajes a París a comienzos de siglo, donde recibió el influjo de Toulouse-Lautrec, Degas y otros.
Entre 1901 y 1904 desarrolló una pintura extraordinariamente humana y patética debido a la muerte de su amigo Casagemas que, por tener como dominantes los tonos fríos azulados, es conocida como Periodo Azul. Hay en sus cuadros una mezcla de desesperación y dignidad que evidencian conexión con planteamientos expresivos de la época, como en La Vida o Madre con niño enfermo.
Entre 1904 y 1906, con los mismos presupuestos formales pero cambiando la temática hacia temas de circo y por tanto alegres, Picasso abre su Época rosa, como ejemplifica la Familia de acróbatas, la Familia de saltimbanquis o Mujer en camisa. Picasso empezó a pintar con colores más humanos y más vivos. Usó colores diferentes y ensanchó su alcance azul. Su alcance nuevo incluyó el rosado, el anaranjado y el rojo. Pintó cuadros tranquilos de colores delicados. Las pinturas de esta época rosa son más vivas y líricas que las otras. Los personajes de las pinturas de Picasso cambiaron también. El conoció y retrató a los miembros del Circo Medrano. Las primeras pinturas de la época rosa son de artistas de circo y sus familias.
Desde 1906 se inicia su ruptura con la tradición pictórica imitativa de la realidad y es sustituida por un arte más conceptual despreciando la realidad aparente. Alrededor de 1905 Picasso descubre la escultura ibérica. Le atraen las proporciones poco ortodoxas, la falta de refinamiento, la fuerza bárbara y el primitivismo. Picasso manifiesta gran interés asimismo por el arte africano primitivo. Debido a este interés que demuestra por el arte africano, así como por el uso del color negro, esta época se ha venido denominando la "época negra" de Picasso. A partir de esta época, las caras de los personajes empiezan a parecerse máscaras africanas. La evolución de esta época puede verse en la obra Retrato de Gertrude Stein (1906). Esta escritora estadounidense fue gran amiga de Picasso. La cara es semejante a una máscara africana y contrasta con el resto del cuerpo.
La llamada Época Negra culmina con las Señoritas de Avignon, su primera obra cubista e influida por Cézanne y por el arte negro. En dicha obra aparecen las formas geométricas, como talladas a cuchillo y con diferentes puntos de vista simultáneos. Hay en dicha obra una influencia clara de las máscaras negras africanas. En la obra se niega la profundidad, todas las figuras están en un mismo plano.
La pintura de Cézanne sirvió a Picasso y Braque para tomar el testigo de su experimentación formal, por lo que la forma, el orden y la geometría se convirtieron en un nuevo fundamento de la pintura frente a la fragmentación plástica y formal iniciada con el Impresionismo: se trataba de eliminar el valor del color.
En 1909, durante su estancia en Horta d`Ebre, Picasso acometió una verdadera arquitectura del paisaje en obras como Fábrica, donde el color se reduce a lo esencial e impera la distorsión de la perspectiva, mientras que cuadros de Braque como Casas de l`Estaque muestran esa misma visión cristalográfica del paisaje.
En estas obras se definen por tanto los tres componentes decisivos para la experiencia cubista: la reducción del color, la primacía de la forma y el abandono del sistema de perspectiva monofocal. El resultado fue un nuevo lenguaje plástico en el que se recuperaban los componentes específicos de la pintura.
Ya en 1908 Vauxcelles había bautizado como Cubismo esta tendencia que relativizaba la representación desde una dimensión aperspectiva, que daría a partir de entonces obras como Mujer sentada y Retrato de Ambroise Vollard de Picasso o Violín y vasija de Braque.
Así, la pintura cubista hizo que la realidad representada se fuera distanciando cada vez más de la naturaleza identificable y alejándose de su apariencia, proceso que paralelamente iba a desembocar en la abstracción impulsada por Kandisky. No obstante, ni Picasso ni Braque quisieron abandonar el figurativismo.
En 1912 Picasso realizó su Naturaleza muerta con silla de paja, el primer ejemplo de collage, mientras que Braque ya había introducido trozos de papel con letras para potenciar el figurativismo. La experiencia del collage tendría un significado trascendental, puesto que suponía prescindir por primera vez del objeto representado e introducir el objeto presentado,
La construcción del Cubismo fue una conquista empírica en la que cada descubrimiento servía de fundamento al siguiente, por lo que los cubistas no se afanaron en crear un estilo, sino en impulsar un proceso creativo que desarrollara un nuevo lenguaje formal. Así se entienden las composiciones ovales de Braque.
Tanto Picasso como Braque abandonarían a partir de 1912 las limitaciones en el uso del color para llegar a composiciones como Los tres músicos de 1921, para cuando el propio Picasso consideraba que el Cubismo estaba agotado y que debía afrontar un cambio radical en su pintura en el que pasó a recuperar formas y modelos clásicos como en su famoso Arlequín.
La capacidad de renovación picassiana se desbordará con el estallido de la Gran Guerra, alternando las más variadas orientaciones (cubista, realista, clásica, expresionista). Más tarde se entregó a interpretaciones de un expresionismo subrreal con particular inclinación hacia lo monstruoso y lo simbólico para culminar en su espectacular Guernica (1937), obra que recogiendo el eco de los desastres de la guerra de Goya, en visión apocalíptica, pretende ser un grito desgarrador de denuncia contra la barbarie bélica. En 1937 la República le encargó un mural para el Pabellón Español en la Feria Mundial de París. Pero poco antes se supo el bombardeo de la Legión Condor sobre el mercado a rebosar de gente en la plaza de Guernica. Picasso empezó sus esbozos. Las figuras aparecen unidas entre sí en un esquema triangular que evoca el frontón de un templo griego. Allí se integran el alarido de un caballo mortalmente herido, el pánico de la mujer en la casa que arde, la agonía del guerrero y la mujer que llora con su hijo. La paleta, al temple, es muy austera y casi se ha suprimido el color: blanco, negro y matices de gris para acentuar el terror. Hoy en día se ha convertido en una obra pacifista contra los horrores de la guerra, a la vez que un símbolo para la Segunda República Española y para el vasquismo en particular.
Braque y Juan Gris
Como hemos visto, Georges Braque (1882-1963) comparte con Picasso la gloria de la creación del cubismo, presentando una evolución paralela. Hasta su muerte se mantuvo fiel al cubismo, aunque no interpretándolo dogmáticamente pero sí combinándolo con la mejor tradición cartesiana heredada de Cezanne.
El madrileño José Victoriano González, conocido artísticamente como Juan Gris (1887-1927) conectó con Picasso hacia 1910 y años después se convirtió en el representante más riguroso del cubismo, pues para él no era un procedimiento ni un método sino una estética o incluso un estado de ánimo al que parece haber incorporado un rigor y una serenidad, un ascetismo casi zurbaranesco delimitando los planos y cuidando las armonías de color, sin renunciar al claro-oscuro.
Fuente: Apuntes de la asignatura, UUDD, http://www.wikipedia.org, http://clio.rediris.es/n33/n33/arte/22Vanguar.pdf